Der Beitrag Flohmarkt für Bass + Gitarre, Verstärker + Zubehör erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Connections

Wer A sagt muss auch B sagen. Und wer in diesem Sinne einen DX7 sein eigen nennen konnte, bildete sich schnell auch einen D-50 nach dessen Markteinführung ein. Und nach unzähligen, heutzutage sicherlich als unwürdig geltenden Frondiensten als Student stand meiner endlich da – schwarz und glänzender als der schon etwas abgenutzte DX7 darunter. Die Szene wurde mystisch – manch Nichtgläubiger würde behauptet haben eher schwächlich – beleuchtet durch das spartanische grüne Dot-Display. Und damit konnte die „Andacht“ beginnen. Dem Status als Student ist es auch zu verdanken, dass dieser D-50 später verkauft wurde, um sich einen D-70 leisten zu können. Aber das ist eine andere Geschichte, schalten Sie auch die nächste Folge wieder ein, wenn es heißt …

Technische Kurzbeschreibung des Roland D-50

•             LA-Synthese: Kombination aus kurzen PCM-Samples (Attack Phase) und synthetischen Wellenformen (Sustain Phase) → dadurch wirken Klänge realistischer und lebendiger als reine FM-Sounds.

•             16-stimmig, 61 Tasten, Aftertouch, Pitch/Mod Joystick

•             Digitale Effekte integriert: Chorus, Hall, Delay – damals revolutionär

•             Filter: digitales Tiefpassfilter mit Resonanz

•             Struktur: Ein Patch besteht aus zwei „Tones“, jeder Tone aus zwei „Partials“ → Partials können PCM-Sample oder Synth-Oszillator sein

•             Joystick zur Klangmischung und Modulation

•             Optionaler PG 1000 Programmer mit 56 Fadern für komfortables Editieren

Stärken

•             Sehr charakteristische, warme digitale Flächen

•             Integrierte Effekte (großer Vorteil gegenüber dem DX7)

•             Leichter zu programmieren als FM-Synthese

•             Großes Display + Joystick für bessere Bedienung

•             Legendäre Presets, die sofort inspirieren

Schwächen

•             PCM-Samples sind nur 8 Bit → Attack Samples wirken heute etwas „körnig“

•             Manche Presets wurden überstrapaziert (ähnlich wie DX7 E-Piano)

•             Hardware-Alterung: Tasten Kontakte, Display Helligkeit

•             Ohne PG 1000 (ein Pad mit vielen Reglern) ist tiefes Editieren möglich, aber nicht komfortabel

Typische Einsatzbereiche des Roland D-50

•             Fantastische Pads (warm, schimmernd, „breit“)

•             Atmosphärische Flächen – oft mit Chorus und Hall

•             Digitale Glocken & Pizzicato Sounds

•             Synth Strings

•             Hybrid Leads mit Sample Attack

Das berühmteste Preset ist „Fantasia“, außerdem „Digital Native Dance“, „Pizzagogo“ (Enya!) und viele cineastische Flächen.

Roland D-50 Klassiker

Der D-50 dominierte den Sound der späten 80er und frühen 90er, z. B.:

•             Enya – nutzte das ikonische „Pizzagogo“ Preset (z. B. Orinoco Flow)

•             Jean Michel Jarre – setzte ihn intensiv auf „Revolutions“ ein

•             Bei Vince Clarke, Gary Numan, Rick Wakeman, Duran Duran immer mit am Start

•             Auch in New Age, Synth Pop, R&B, Filmmusik extrem verbreitet

Sein Klang war wärmer und organischer als der des DX7, gleichzeitig moderner und „cineastischer“.

Epilog

Absicht oder Zufall? Die Firma Roland brachte mit dem D-50 ein Instrument auf den Markt, das den zu dieser Zeit dominierenden DX7 quasi perfekt ergänzte, was marktstrategisch vermutlich klüger war, als zu versuchen, ihn zu verdrängen bzw. zu ersetzen.

Denn der Roland D-50 brachte genau das mit, was dem DX7 fehlte: Wärme, Atmosphäre und eingebaute Effekte. Während der DX7 mit Prägnanz und Durchsetzungskraft glänzte, öffnete der D-50 die Tür zu breiten Pads, weiten Flächen und warmen Klangfarben, die durch die Kombination aus Samples und Synthese lebendiger wirkten. Einfach erklärt wurde z. B. das Anblasgeräusch von Blasinstrumenten oder das Anstreichgeräusch von Streichinstrumenten, was damals synthetisch kaum produzierbar war, digital gesampelt und dann vor dem eigentlichen künstlichen Sound ausgegeben, was zu der Zeit einen revolutionären „natürlichen“ Sound ergab. Zusammen bildeten beide Instrumente eine perfekte Symbiose: Der DX7 liefert die Struktur – der D-50 den Klangteppich dazu. Zwei digitale Klassiker, die damals auf vielen Keyboard-Ständern als Quasistandard-Set zusammen zu sehen waren.

Da lacht das Sammlerherz: Durch Zufall konnte ich vor Kurzem einen desolaten D-50 im Internet sehr günstig schießen und diesen dann wieder zum Laufen und Glänzen bringen, so dass das hier abgebildete Keyboard mehr aus „historischen Gründen“ original, funktionsfähig und – natürlich – mit dem DX7 vereint auf dem Ständer steht.

Text und Bilder: Stephan „Baffy“ Jedamus
Und hier geht’s zu Teil 1 von Keys mit Baffy: Yamaha DX7.

Mehr zum Roland D-50 auf Wikipedia

Stephan „Baffy“ Jedamus

Baffy ist seit rund 25 Jahren Inhaber des Augsburger IT-Systemhauses Astina und noch viel länger in der Augsburger Musikszene unterwegs. Selber als Musiker (Keyboard) aktiv, besucht er mit Vorliebe kleine, aber feine Konzerte und lässt uns ab und zu mit Fotos und Berichten daran teilnehmen und widmet sich auch der technischen Seite der Musik.

Der Beitrag Keys mit Baffy (Teil 2): Roland D-50 erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Connections

Wie kommt man zum Keyboard? Bei mir war es Mitte der 80er genau dieses Instrument. Tatsächlich war die erste Begegnung sowas wie ein Aha-Erlebnis: ein kompaktes tragbares Keyboard, fünf Oktaven, anschlagdynamisch, Sustain-Pedal und für die damalige Zeit mit vielen unglaublichen digitalen Werk-Sounds ausgestattet. Vor allem die Piano-Sounds machten mit diesem Gerät im Vergleich zu den zeitgenössischen Mitbewerbern einen Quantensprung. Und dann war das Gerät auch noch serienmäßig mit der damals noch nicht selbstverständlichen MIDI-Schnittstelle (Musical Instrument Digital Interface) ausgestattet. Was für eine Offenbarung! Und so wanderte die Gitarre in die Ecke. Später kamen noch ein ATARI-Computer, ebenfalls mit MIDI, und die Software Cubase dazu. Und so wurde der Protagonist an vielen Abenden nicht mehr in der Öffentlichkeit gesehen. 

Technische Kurzbeschreibung des Yamaha DX7

•             Damals innovative FM-Synthese mit 6 Operatoren – ermöglicht komplexe, metallische, glockige und digital präzise Klänge

•             32 Algorithmen – unterschiedliche Verschaltungen der Operatoren

•             Berühmte Presets wie E Piano 1, Bass 1, Marimba, Tub Bells

•             Velocity-Empfindlichkeit – damals revolutionär

•             Digitale Klangerzeugung, aber ohne Filter im klassischen analogen Sinn

•             Speicherplätze für 32 interne Sounds + Cartridge-Erweiterungen

•             Mit diversen, damals auf dem Markt erhältlichen Expansion Boards, die eingebaut werden mussten, waren auch 4 Bänke mit 32 internen Sounds möglich.

Stärken

Meiner Begeisterung für die Stärken dieses Instruments habe ich oben schon Raum gegeben. Wodurch sich der DX 7 noch auszeichnete: Er war erschwinglich, und lieferte trotzdem einen professionellen Klang. Mit ihm kam die FM-Synthese in die Popmusik. So war er extrem präsent in vielen Produktionen von 1983–1990. Sein Klang ist bis heute ikonisch, sofort erkennbar und vielfach kopiert.

Schwächen

Wo Licht ist, fällt auch Schatten. Neue Sounds an diesem Synthesizer über das Menü zu programmieren, war extrem komplex. Waren vorher bei den analogen Geräten für alles extra Schalter und Regler vorhanden, musste man sich hier über ein kleines unbeleuchtetes Display und Folientasten (die bei häufiger Benutzung auch noch schnell „durchgewetzt“ waren) durch die digitalen Parameter und Verknüpfungen kämpfen. So heißen die Parameter z. B. „Operator 3 Frequency Coarse 1.00“ statt „Filter“ oder „Cutoff“. Dadurch benutzten die meisten Musiker oft nur die Presets und diese wurden dadurch auch irgendwann überstrapaziert. Der berühmte Sound „E Piano 1“ wurde so oft in Produktionen genutzt, dass es überall gleich klang.

Viele Möglichkeiten, die heute selbstverständlich sind, gab es beim DX7 noch nicht, z. B. kein MIDI Thru, keine SysEx-Daten während des Spielens, kein Multimode und kein Layer.

Aber vor allem war dieser Synthie bei den perkussiven Sounds zwar damals Spitzenklasse, doch für Flächen-Sounds klang er dann doch zu digital.

Typische Einsatzbereiche des Yamaha DX7

•             Rhodes ähnliche E Pianos

•             Bass-Sounds mit Punch

•             Glocken, Marimbas, vibrierende Pads

•             Digitale Leads

•             Perkussive, metallische Texturen

Yamaha DX7-Klassiker

•             Whitney Houston – „Greatest Love of All“ – E Piano 1 in Reinform – DER DX7 Sound

•             a-ha – „Take On Me“ – Legendärer FM Slap Bass (Bass 1)

•             Berlin – „Take My Breath Away“ – Moroders DX7 Bass trägt den ganzen Track

•             Kenny Loggins – „Danger Zone“ – Aggressiver FM Bass, sofort erkennbar

•             Tina Turner – „What’s Love Got To Do With It“ – E Piano + FM Flöten + Pads

Epilog

Wer sich an die 80er erinnern kann hat sie nicht richtig gelebt. Aber auch wenn man da sozusagen richtig gelebt hat, den Yamaha DX7 kann und konnte man nicht vergessen, denn er war in extrem vielen bekannten und auch jetzt noch viel gespielten Songs aus dieser Ära omnipräsent, so dass man auch heute noch immer an ihn erinnert wird.

Genau der ganz oben beschriebene und hier abgebildete DX7 steht – wenn er auch nicht mehr wirklich aktiv eingesetzt wird – heute noch spielbereit im Proberaum.

Und hier geht’s zu Teil 2 von Keys mit Baffy:

Stephan „Baffy“ Jedamus

Baffy ist seit rund 25 Jahren Inhaber des Augsburger IT-Systemhauses Astina und noch viel länger in der Augsburger Musikszene unterwegs. Selber als Musiker (Keyboard) aktiv, besucht er mit Vorliebe kleine, aber feine Konzerte und lässt uns ab und zu mit Fotos und Berichten daran teilnehmen und widmet sich auch der technischen Seite der Musik.

Der Beitrag Keys mit Baffy: Yamaha DX7 erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Die nächste KUKI YourStage steht an – und bringt am 13. Mai wieder genau das auf die Bühne, wofür das Format gemacht ist: frische Live-Energie, zwei spannende Bands und eine musikalische Entdeckungsreise. Schauplatz ist wie immer unser Vereinsheim Bombig Bar & Garage – und diesmal treffen Get Zeppelin auf Evil Mama.

Über die KUKI-Band Get Zeppelin haben wir ja schon ausführlich berichtet – wer sich nochmal einstimmen will, klickt sich am besten durch unser Porträt im KUKI Express.

Evil Mama: Blues, der nach vorne geht

Auch der zweite Act des Abends hat es in sich. Evil Mama aus dem Raum Schwaben spielen Blues und Bluesrock: roh, direkt und mit ordentlich Druck. Die Band setzt auf eine klassische Besetzung mit Vocals, Keys, Bass und Drums mit fünf hervorragenden Musikern – und einem Gitarristen, der für sein noch jugendliches Alter schon Erstaunliches erreicht hat.

Konsti: 2009 geboren – und schon ganz vorne dabei

Das Alter von Konstantin „Konsti“ Saloustros muss man erstmal sacken lassen: Jahrgang 2009. Wow. Der Begriff „Nachwuchs“ greift trotzdem zu kurz, denn Konsti ist schon jetzt auf einem absolut beeindruckenden musikalischen Level. 2026 hat er beim Regional- und Landeswettbewerb „Jugend musiziert“ die maximal mögliche Punktzahl abgeräumt. Auch mit Sebastian Dracu, der letztes Jahr im Bombig gespielt hat, war er schon auf der Bühne.

Sein Stil ist geprägt von Größen wie Slash oder Bonamassa. Den Vorbildern huldigt er nicht durch braves Nachspielen, sondern durch einen ziemlich eigenen Zugriff auf den Blues(rock). Und während Gleichaltrige sich vorwiegend in der digitalen Welt zu bewegen scheinen, findet Konsti Magie im Analogen und spielt seine Fender Stratocaster und seine Gibson Les Paul am liebsten über Röhrenamps.

Also, unbedingt anschauen und anhören! 13. Mai, 20:30 Uhr, Bombig. Kommt.

Zur Website von Evil Mama: https://www.evilmama.de/
Zur Website von Konsti: https://www.konsti2009.de/
Zur Website von Get Zeppelin: https://getzeppelin.de/

Nadja Hadek

… konnte wahrscheinlich schreiben, bevor sie laufen lernte – und hat seitdem nicht mehr damit aufgehört. Worte waren schon immer ihr Ding. Ob als Redakteurin und Texterin oder als Sängerin bei Who of us, Ruff Country und Freewheelin‘ Franklin: Irgendwo zwischen Proberaum, Bühne, Bombig und Notizbuch fühlt sie sich am wohlsten. Und als Redaktionsleiterin des KUKI Express hält sie die Fäden zusammen: dort, wo Musik und Geschichten sich treffen.

Der Beitrag KUKI YourStage am 13.5. mit Get Zeppelin und Evil Mama erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Die Ausgangsidee: Klang als Gefühl

Ausgangspunkt war weniger der Wunsch nach „mehr“ im technischen Sinn, sondern nach einem bestimmten Gefühl. Ich suchte einen offenen, dynamischen Singlecoil‑Sound, der sich im Alltag bewährt – klar, direkt und lebendig, aber ohne die typischen Nebengeräusche, die viele klassische Konzepte mit sich bringen. Der KH‑2 versprach genau das, und nach einiger Recherche entschied ich mich, diesen Weg zu gehen.

Der erste Eindruck nach dem Umbau

Nach dem Umbau wurde schnell klar, dass hier mehr passiert war als ein bloßer Austausch von Bauteilen. Schon die ersten gespielten Akkorde wirkten offener, luftiger und direkter. Die Gitarre reagierte sensibler auf meinen Anschlag, Feinheiten im Spiel kamen deutlicher zur Geltung.

Einzeltöne standen klar im Raum, Akkorde hatten mehr Tiefe und Transparenz. Besonders beeindruckt hat mich die Kombination aus klassischem Singlecoil‑Charakter und vollständiger Brummfreiheit – ein echter Gewinn, nicht nur im Studio, sondern auch im ganz normalen Spielalltag.

Nachhaltiger Effekt statt kurzem Wow‑Moment

Was den KH‑2 für mich ausmacht, ist dabei nicht ein kurzfristiger „Wow‑Effekt“, sondern ein nachhaltiges Spielgefühl. Die Gitarre fühlt sich inspirierender an, motiviert dazu, bewusster zu spielen und mehr mit Dynamik und Ausdruck zu arbeiten. Es ist diese Art von Veränderung, die man nicht sofort messen kann, die aber dazu führt, dass man die Gitarre häufiger in die Hand nimmt.

Entwicklung aus der Praxis

Entstanden ist dieser Pickup nicht am Reißbrett, sondern aus der Praxis heraus. In der Zusammenarbeit von Gitarrist Kurt Härtl und Pickup‑Wickler Martin Hornauer spürt man deutlich den gemeinsamen Anspruch, ein Werkzeug für Musiker zu schaffen – keinen Effekt, keinen Selbstzweck. Die langjährige Bühnen‑ und Studioerfahrung trifft hier auf handwerkliche Konsequenz und eine klare klangliche Vorstellung.

Fazit: Mehr Richtigkeit im Spielgefühl

Natürlich bleibt Klang immer subjektiv, und am Ende kommt der Ton zu einem großen Teil aus den Fingern. Aber dieser Umbau hat mir gezeigt, wie stark ein gut abgestimmter Tonabnehmer das Spielgefühl und die Inspiration beeinflussen kann. Die Duesenberg Bonneville wurde nicht neu erfunden, hat aber an Offenheit, Ausdruck und Direktheit gewonnen.

Für mich steht fest: Der Wechsel auf die KH‑2 Pickups war die richtige Entscheidung. Nicht, weil plötzlich alles anders klingt – sondern weil sich alles ein Stück richtiger anfühlt.

Georg Koenig

Als Kind der 60er in einem musikalischen Elternhaus geboren. Erste Band 1975: SURF (Gitarrenpop).
Zuletzt u. a. in den Formationen Crossover, Backdoor Connection, KUKI Karaoke Band und mit Solo-Projekten unterwegs, z. B. KOENIG and Friends – ABTAUCHEN.

Der Beitrag Ein vertrautes Instrument neu entdecken: Wie Georg Koenig seine Duesenberg Bonneville umgebaut hat erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Der erste Soloauftritt beginnt früher, als viele denken – oft schon beim Soundcheck. In dieser Artikelserie geht es um Haltung, Vorbereitung und Praxis: von Übetipps über Setlist und Equipment bis zum Plan B, wenn etwas schiefgeht. Für alle, die allein auf die Bühne wollen und wissen möchten, wie.

Jeder von uns kennt das kleine 1×1 und ist meist bis hinauf zum Fünfer relativ sicher. Ab dem Sechser wird es bei einigen Zeitgenossen dann schon leicht wackelig, den Fortschritten von Didaktik und Pädagogik sei Dank. Mathematik und einstellige Primzahlen sollen hier aber nicht das Thema sein, sondern das Rätsel des 1×1 beim Soundcheck bzw. das korrekte Abzählen der natürlichen Zahlen von 1–3 nach dem Motto „Keep it clear and simple“.

Von den zigtausenden Soundchecks, die ich im Laufe der Jahre miterlebt habe – aktiv wie passiv – verliefen gefühlt 99,9 Prozent nach dem gleichen Muster:

„Test, testing, one, two, three.“ Oder auf Deutsch: „Test, eins, zwei, drei.“

Diese erstaunliche Konstanz wirft grundlegende Fragen auf. Wann im Leben hat man als Musiker schon die Möglichkeit, ohne Unterbrechung lautstark seine Stimme in einen Raum zu schicken, Aufmerksamkeit zu bündeln und den ersten Eindruck zu setzen–wenn nicht beim Soundcheck?

Und was passiert stattdessen? Die immer gleichen Plattitüden: „Test, 1, 2, 3“. Bei einem mir bekannten Künstler folgte darauf einmal ein energisches „Pssst!“, weil ihn das Gequatsche der bereits anwesenden Zuhörer störte – wohlgemerkt während der inhaltlich hochrelevanten Botschaft „Test, 1, 2, 3“.

Vielleicht liegt die Beliebtheit dieses kleinen Einmaleins darin, dass es niemandem wehtut. Es ist neutral, mathematisch korrekt, widerspruchsfrei. Alle sind einverstanden. Es entsteht eine Art Volksharmonie. Niemand blamiert sich, niemand positioniert sich.

Dabei stehen dort oft stimmgewaltige, ambitionierte Musiker auf der Bühne, die eigentlich genau in diesem Moment zeigen könnten, wofür sie stehen. Stattdessen hört man ein müdes „Test, 1, 2, 3“, gefolgt von der ebenso müden Antwort des Mischers: „Schrei mal rein.“ Wegen des Pegels.

Dass die Routine danach ihren gewohnten Lauf nimmt – „Ich hör mich nicht auf dem Monitor“, „Warum habe ich nur die Drums drauf?“ – geschenkt. Spätestens im Laufe des Konzerts senkt sich ohnehin die Hörschwelle, und dann hört sich sowieso keiner mehr so richtig.

Aber der erste Eindruck bleibt.

Gerade für Solomusiker ist dieser Moment mehr als nur ein technischer Check. Er ist der erste Auftritt des Abends. Noch ohne Applaus, aber mit maximaler Aussagekraft. Wer hier leise zählt, sendet ein anderes Signal als jemand, der mit Stimme, Haltung und Präsenz in den Raum geht.

Wenn jemand wirklich singen kann, dann bitte auch beim Soundcheck. Mit Haltung. Mit Engagement. Gerne mit einem Song, der Dynamik hat, Tonumfang zeigt und klarmacht: Ich weiß, was ich tue. Das kann Janis Joplin sein, das kann „O sole mio“ sein – entscheidend ist nicht das Stück, sondern die Haltung dahinter.

So entsteht Selbstbewusstsein. Und genau dieses Selbstbewusstsein zieht sich durch alles, was einen gelungenen Soloauftritt ausmacht: von der Vorbereitung über die Auswahl des Equipments, von der Setlist bis zum Umgang mit Pannen.

Diese kleine Artikelserie über Solomusiker wird sich genau damit beschäftigen:

• Was braucht es wirklich für den ersten Soloauftritt?
• Welche technischen und künstlerischen Entscheidungen helfen weiter?
• Wie bereitet man sich realistisch vor – und wie bleibt man handlungsfähig, wenn etwas schiefgeht?

Der Soundcheck ist nur der Anfang. Aber er verrät oft schon, wie ernst es jemand meint. Wetten, dass?

Karl Poesl

Als „Berufsjugendlicher“ ist das Alter 72 nur eine Zahl und schützt keineswegs vor dem Beschreiten abenteuerlicher künstlerischer und kreativer Wege. Mit dem absoluten Gehör steht mir ein Helferchen zur Verfügung, das mich vor allzu viel Musiktheorie und Jazzpolizei schützt. Zum 1. Mal stand ich mit 14 bei einem Faschingsball im „Grünen Kranz“ auf der Bühne. Da hatte ich das Gefühl, dass mir alle auf die Hände starren. Das hat sich nach zig Auftritten etwas gelegt. Mit 129 Auftritten im legendären Raben darf ich mich Rekordhalter schimpfen. Und ich freue mich schon, Anekdoten und Tipps für MusikerInnen schreiben zu dürfen, die einen einsamen Plan haben, ohne digitale Gimmicks.

Der Beitrag „Test, 1, 2, 3“ – Warum das kleine 1×1 so beliebt ist erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Tatsache ist, dass ich als funk- und groovebegeisterte Sängerin nach dem coronabedingten Ende meiner Band wakafunka völlig aufgeschmissen war. Monatelang streunte ich auf einschlägigen Sessions in Augsburg herum auf der Suche nach kongenialen Funk-Musikern, die böse Licks und Grooves raushauen, auf die ich singen kann. Furztrockene Snare auf 2 und 4 und – niemals auf 1 und 3 klatschen! Frage der Ehre! Wer bei James Brown zu früh klatscht, bekommt ein mitleidiges Lächeln.

Funk-Sessions in Augsburg – no way!

Aber in Augsburg gibt’s nur Blues- und Jazz-Sessions. Nix für mich. Zum Einschlafen. Erinnert sich eigentlich irgendwer noch an die großartigen Sessions Anfang der Nullerjahre, wo Markus Becker vom Downtown Institute jeden Monat PA und Bühne in der ehemaligen Mahagoni-Bar in der Armenhausgasse aufbauen ließ und es nur so von der Bühne groovte?! Mann, waren das Zeiten! Da haben mich damals die späteren Mitmusiker von phonicplus angesprochen. War ’ne richtige Groove-Musikerbörse damals.

Nur echtes Kopfnicken im Offbeat

In vielen Clubs dominiert heute der berühmte Mix aus Charts, 90ern, irgendwas mit Remix oder Techno. Funk und Soul? Tauchen meist nur auf kleinen privaten Veranstaltungen auf, wo sich Menschen treffen, die wissen, dass ein funky Bläsersatz mehr Glückshormone freisetzt als drei Maß aufm Plärrer. Wer den Funk liebt, meint es ernst: Kein Mitgrölen zu den immer gleichen Hits, sondern echtes Kopfnicken im Offbeat.

Soulband mit Bläsersatz – Schnappatmung!

Ich fühlte mich musikalisch alleingelassen, war die Augsburger One-Woman-Untergrundbewegung für viel Bass und geile Breaks, „Keep on funkin’!“ und „Come on – yeah!“ aufm Wohnzimmerteppich. Bis ich dann über einen befreundeten Jazzer auf Social Media mitbekam, dass es da in Kempten eine Soulband mit Bläsersatz gab, die neben einem Trompeter eine Sängerin suchte. SCHNAPPATMUNG! Nix wie hin, dachte ich. Nun fahre ich mit eben jenem Trompeter alle zwei Wochen von Augsburg nach Kempten zur Probe mit der achtköpfigen Band SOULMINE. Da kann ich aufs Feinste soulful rausrotzen.

Funky Groove – was’n das?

Ist nochmal gut gegangen für mich. Aber eben nicht in Augsburg. Hier bräuchte es ein bisschen Mut zum Groove. Mehr Glitzerhemden, mehr Wah-Wah-Gitarren, mehr mollige Rhodes- und drahtige Hohner-D6-Sounds, funky Basslines, auch mal geslappt, Synkopen, Offbeats, kratzige Gitarrenlicks und feist verzerrte jaulende Soli. Aber wenn jemand hier „Groove“ sagt, schauen erst mal drei Leute irritiert und einer fragt, ob das eine neue Bar in der Maxstraße ist.

Augsburg ist schlimmstes Entwicklungsgebiet für Funk/Soul. Wenn hier mal jemand mehr Groove wagt und sich auf den Weg zu Augsburg als Funk-Metropole begeben will, bin ich sofort dabei!

May The Funk Be With Augsburg!

… und übrigens: SOULMINE spielt am 18. Juli 2026 im Bombig.

Susanne Altmann

Die Psychologin trieb sich lange Zeit in Hamburger Werbeagenturen und bei MTV Music Television herum. Musikalisch sozialisiert mit AFN Radio, Gino Vannelli und Toto, entwickelten sich ihre Vorlieben immer mehr in Richtung New Soul und Black Music mit den lässig-eleganten, funky Grooves. Zurück in Augsburg zur Jahrtausendwende, war sie nie ohne Band – das soulvolle Singen gehört für sie einfach dazu. Ihre Erfahrungen damit möchte sie gerne im KUKI Express teilen.

Der Beitrag Mehr Groove wagen – ein Plädoyer für den Funk erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

So einige Musikerkollegen erzählen immer wieder, wie sie schon von Kindesbeinen an musiziert haben. Sie haben die Musik quasi mit der Muttermilch aufgesogen. Bei mir war das nicht so. Ja, ich habe im Kindergarten im Kinderchor gesungen, weil ich hingeschickt wurde – nicht, weil ich es wollte. Mein einziges Instrument war die Blockflöte (das oder Melodika mussten wir in der Grundschule lernen), was mir zumindest ein Grundverständnis an Notenlehre gebracht hat. Später fand ich Gitarre cool, aber da fehlten die finanziellen Mittel. Also bin ich am Ort ein paar Jahre in den Jugendchor, aber die Kirchenlieder haben mich schnell gelangweilt. Als Dorfkind lag mein Aktionsradius bis zu meinem 18. Lebensjahr bei 3 km, mit dem Rad vielleicht bei 10 km (ohne Hügel). Und die nächste größere Stadt war 25 km entfernt.

Mit Mitte 20 hat mich eine Freundin zu einer Bandprobe geschleppt und gemeint, ich könnte doch ihre Nachfolgerin werden, weil sie wegzieht. Da sich mein Leben gerade in einer Umbruchphase befand, erschien mir das Angebot interessant, und die Band gab mir (nicht ohne gutes Zureden der alten Sängerin) eine Chance. Ich nahm Gesangsstunden, um wenigstens die Basics auf die Kette zu bekommen, doch ich hatte oft das Gefühl einfach „nur“ die Sängerin zu sein. Auch ein paar Jahre Klavierunterricht haben es nicht gerichtet. Zum Glück hat mich meine Band all die Zeit immer supported und ermutigt, sonst hätte ich es vermutlich hingeschmissen.

In meiner Erinnerung habe ich auf die Frage nach meiner Rolle in der Band meist diese Antwort gegeben: „Ich bin nur die Sängerin.“ Vielleicht habe ich es mir bloß eingebildet, doch auf meine Antwort hin hatte ich den Eindruck, immer in leicht enttäuschte Gesichter zu sehen. Dabei ist gerade Singen eine der persönlichsten Offenbarungen, wie ich heute denke. Die Einzigartigkeit der eigenen Stimme und ihrer Wirkung sollte ich erst viel später schätzen lernen. 

Irgendwann nahm ich an einem Gesangscoaching teil und probierte Neues aus. Es geschah nicht sofort, es war mehr ein beständiger Prozess, indem ich meine Sinne erweiterte. Plötzlich tat sich ein neues Universum vor mir auf, in dem es viel mehr um Fühlen als Hören der Musik ging. Musik besteht aus Frequenzen und beim Hören und Fühlen nahm ich neue Dinge wahr. Dieses Wahrnehmen hatte auch Einfluss auf mich und meine Stimme. Es ging nicht mehr nur um bloßes Ausatmen mit Ton. Ich begriff, dass es von Bedeutung für das Publikum ist, mit welcher Intention jemand singt oder sein Instrument spielt oder welche Gedanken mit auf die Bühne genommen werden. Es ist ein natürliches Spiel mit der Energie, ein Tanz der Frequenzen zwischen Lebewesen.

Heute weiß ich: Singen ist für mich eine sehr persönliche, fast schon intime Form, mich zu zeigen. Jede Probe, jeder Auftritt erinnert mich daran, meine Stimme bewusst einzusetzen, damit nicht nur ich mich beim Singen gut fühle, sondern vor allem das Publikum mit einem guten Gefühl nach Hause geht. Und vielleicht sollte genau das mein Weg zur Musik sein – nicht der gerade, sondern der, auf dem ich gelernt habe, meiner eigenen Stimme zu vertrauen und ihr Bedeutung zu verleihen.

Der Beitrag Wie ich die Bedeutung meiner Stimme gefunden habe erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Der Satz fiel irgendwann während einer Gitarrensession zweier Freunde von mir. Keine große Bühne, kein Publikum, kein Produzent im Nacken. Zwei Gitarren, zwei Verstärker, ein paar Riffs – und ein Sound, der irgendwie nicht so wollte, wie er sollte. Irgendwann war die Geduld am Ende. Einer schaute auf den Boden, deutete auf eine der Strippen zwischen Gitarre und Amp und sagte trocken: „Koff dr mol a gscheits Kabel.“

Kein Technikvortrag, kein Forenwissen, keine Messwerte. Einfach eine pragmatische Diagnose in Augsburger Mundart. Und je länger ich darüber nachdenke, desto mehr scheint da drinzustecken:

Das Instrumentenkabel ist wahrscheinlich das meistunterschätzte Teil im gesamten Set-up.

Mehr als nur ein Stück Draht

Gitarren, Bässe, Verstärker, Pedale – über all das wird leidenschaftlich diskutiert. Tonhölzer, Röhren, Pick-ups, Boutique-Effekte mit kryptischen Namen. Und das Kabel? Liegt irgendwo auf dem Boden. Wird getreten, verknotet, verliehen, vergessen. Hauptsache, es kommt irgendwie Ton raus.

Dabei übernimmt das Instrumentenkabel eine wichtige Funktion: die Verbindung zwischen Instrument und Verstärker. Und was dazwischen passiert, ist klanglich und praktisch relevanter, als viele glauben.

Keine Sorge: Jetzt folgt kein Technikseminar, nur ein kurzer Blick darauf, worauf man beim Kauf eines Instrumentenkabels wirklich achten sollte – verständlich, alltagstauglich und ohne großes Tamtam.

Macht ein Kabel wirklich einen Unterschied?

Kurz gesagt: Ja, aber keinen magischen.

Ein Kabel kann keinen schlechten Sound gut machen. Aber ein schlechtes Kabel kann einen guten Sound ruinieren. Besonders bei passiven Instrumenten wie E-Gitarren oder klassischen E-Bässen wirkt sich das Kabel auf den Klang aus.

Der Hauptgrund dafür ist die Kapazität. Der Wert der Kapazität eines Instrumentenkabels wird in Picofarad pro Meter (pF/m) angegeben. Je niedriger dieser Wert, desto mehr Höhen bleiben erhalten. Hohe Kapazitätswerte machen den Klang dagegen dumpfer, weniger offen – als hätte jemand heimlich am Tonregler gedreht.

Die Länge: Weniger ist oft mehr

Einer der einfachsten Klangtipps überhaupt lautet: Nimm nur so viel Kabel, wie du wirklich brauchst.

Jeder zusätzliche Meter erhöht die Kapazität – und damit potenziell den Höhenverlust. Im Wohnzimmer oder Proberaum reichen oft drei bis fünf Meter völlig aus. Auf der Bühne darf es etwas mehr sein, aber 15 Meter „zur Sicherheit“ sind selten sinnvoll.

Wer mit aktiven Tonabnehmern, einem Buffer oder einem Pedalboard spielt, ist hier entspannter unterwegs. Für alle anderen gilt: Kürzer ist meistens besser.

Dabei darf man jedoch eines nicht vergessen: Klangvorstellungen sind subjektiv. Nicht jeder sucht die maximale Brillanz oder möglichst viele Höhen. Viele legendäre Liveauftritte der 1960er-Jahre wurden mit aus heutiger Sicht unvorstellbar langen Kabeln gespielt – im Extremfall über 20 Meter. Offenbar hat das weder die Gitarristen noch das Publikum gestört.

Ein etwas dunklerer, weniger brillanter Klang kann also durchaus gewollt sein und Teil des persönlichen Sounds werden. Entscheidend ist nicht ein theoretisch „richtiger“ Klang, sondern der, mit dem man sich wohlfühlt und musikalisch ausdrücken kann.

Ruhe bitte: Abschirmung und Störgeräusche

Ein gutes Instrumentenkabel soll nicht nur das Signal weiterleiten, sondern auch Störungen draußen halten. Brummen, Knacken oder Einstreuungen kommen oft nicht vom Verstärker, sondern vom Kabel.

Eine saubere Abschirmung schützt vor elektromagnetischem Müll aus Lampen, Netzteilen oder schlecht gelaunten Neonröhren. Gerade live oder im Proberaum macht sich das bemerkbar.

Wenn ein Kabel schon beim bloßen Bewegen knistert, ist das kein Charakterzug, sondern ein Problem.

Mechanische Qualität: Das wahre Leben ist kein Wohnzimmer

Kabel werden getreten, geknickt, über Bühnenkanten gezogen und hektisch eingepackt. Deshalb ist die mechanische Qualität mindestens genauso wichtig wie der Klang.

Worauf es ankommt:

• solide Stecker mit Zugentlastung
• ein flexibler, aber robuster Mantel
• saubere Verarbeitung im Inneren (auch wenn man sie nicht sieht)

Ein gutes Kabel klingt nicht besser, aber es hält länger. Und Nerven sind bekanntlich begrenzt belastbar.

Fazit: Ein guter Rat, der hängen bleibt

Das Kabel ist kein Teil des Set-ups, mit dem man angibt. Aber eines, auf das man sich verlassen können muss – im Proberaum genauso wie auf der Bühne. Wenn ich heute an diese Session meiner Freunde zurückdenke, an den genervten Blick und diesen einen Satz „Koff dr mol a gscheits Kabel“, dann war das nicht nur ein Spruch, sondern ein ziemlich brauchbarer Rat fürs Musikerleben.

Ein gutes Kabel macht keinen besseren Musiker aus dir und rettet auch keinen schlechten Song, aber es sorgt dafür, dass dein Sound genau so ankommt, wie du ihn dir vorstellst.

Und manchmal ist genau das der Unterschied zwischen Frust und Spielfreude.

Vielleicht braucht es also gar keine langen Diskussionen, keine Messdiagramme und keine Glaubenskriege. Manchmal reicht ein Blick auf den Boden – und a gscheits Kabel.

Dank

Mein besonderer Dank gilt Prof. Dr.-Ing. Manfred Zollner für seine freundliche Unterstützung und das Gegenlesen dieses Artikels. Prof. Zollner war viele Jahre Professor an der OTH Regensburg und hat sich über Jahrzehnte intensiv mit der Physik von Elektrogitarren, Verstärkern und Lautsprechern sowie mit Fragen der Elektro- und Raumakustik beschäftigt.

Besonders erwähnenswert ist seine umfangreiche und frei zugängliche Website „Physik der Elektrogitarre“ (www.gitarrenphysik.de), die für Musikerinnen und Musiker ebenso wie für technisch Interessierte eine außergewöhnliche Wissensquelle darstellt.

2024 wurde Prof. Zollner von der Deutschen Gesellschaft für Akustik (DEGA) für sein wissenschaftliches Lebenswerk mit der Helmholtz-Medaille ausgezeichnet – eine Würdigung, die nicht nur seine Forschung ehrt, sondern auch seine Fähigkeit, komplexe Zusammenhänge verständlich und praxisnah zu vermitteln. Umso mehr freut es mich, dass er mit seiner Expertise dafür gesorgt hat, dass dieser Artikel nicht unbeabsichtigt zur Verbreitung technischen Unsinns beiträgt.

Benny Lück

Als ich zur Welt kam, grüßte Desmond Dekker mit „Israelites“ von Platz eins der deutschen Charts, 38 Tage später begann das Woodstock-Festival – musikmäßig ging’s also schon mal ganz gut los. Meine weitere musikalische Sozialisation ist schnell erzählt: leiernde Kassetten, Disco, Schlager der Woche, „TNT“ in brüllender Lautstärke auf dem Jungsklo der Hauptschule, bis der Hausmeister dem Spuk ein Ende setzte – so was eben. Heute schraddle ich auf meiner Larrivée L-03. Nicht auf irgendwelchen Bühnen, nur bei uns zu Hause, weshalb mich meine Frau auch schon als „Sofagitarrist“ bezeichnet hat. Und ich darf für den KUKI Express schreiben. Toll!

Der Beitrag „Koff dr mol a gscheits Kabel“ erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.

Im ersten Teil des Beitrags „Bandwissen – ein Feature der Münchner Band „KissMan“ haben wir über die Newcomer-Band KissMan und ihre ersten Auftritte berichtet, so insbesondere auch bei „KUKI Your Stage!“ im Bombig Bar & Garage.

Hier nun:

Teil 2

Mit Sabrina Kisslinger, der Band-Leaderin von KissMan und zugleich Namensgeberin (zusammen mit dem Leadgitarristen Michael Sachmann), bin ich seit unserem Kennenlernen in regelmäßigem Austausch, und so verfolge ich aufmerksam die weitere Entwicklung der aufstrebenden Formation. Interessant für die Leserschaft von KUKI Express und vor allem andere Newcomer-Bands sind sicherlich die zentralen Aspekte Technik, Booking und Marketing. Hierzu habe ich mit Sabrina jüngst ein ausführliches und zudem recht fröhliches Interview geführt.

1. Entree

Hallo Sabrina, prima, dass wir uns zum Interview treffen! Für die Leserschaft als Hintergrundinformation eine Entree-Frage: Wie lange gibt es eure Band schon, was war die Vorgeschichte?

Hey Joe! Vielen Dank für die Einladung und schön, dass wir uns wieder sehen! Du bist ja direkt unser Pressesprecher geworden (zwinkert). Uns gibt es in dieser Formation tatsächlich erst seit November 2024, wir kennen uns aber schon mehrere Jahre aus anderen Bands. Mit Michael und dem Drummer Sebastian habe ich einige Jahre in der 80s-Cover-Rock-Band Fursty Rocks gespielt, damals noch als Bassistin. Mit Jenfry spielte ich bei der Hardrockband KissKat. Beide Formationen gibt es mittlerweile nicht mehr, aber dafür KissMan (lacht). Zur Gründung kam es wegen meines Bruders: Er ist der Organisator von Europas größtem Sprintervan-Festival und hat mich letztes Jahr wiederholt gefragt „Schwester, magst nicht spielen? Es muss aber unplugged sein“. Und da sich gerade die bisherigen Bands aufgelöst hatten, habe ich Michael, Sebastian und Jenfry kurzerhand angerufen und gefragt „Hey, habt ihr Bock? Gig steht, 1. Mai, 3 Stunden, unplugged!“. Alle haben sofort „ja“ gesagt, und wir merkten, dass das richtig gut läuft und harmoniert. Dann haben wir beschlossen, nicht nur unplugged, sondern auch mit MEHR POWER – wie Tim Taylor in „Hör mal wer da hämmert“ so schön sagt – das Programm umzusetzen. Im Endeffekt gibt es uns noch nicht lange, da ich aber alle Musiker schon kannte, war die Wahrscheinlichkeit hoch, dass das musikalisch wie menschlich passt. Und die Intuition hat das auch bestätigt. Bitte entschuldige die lange Geschichte, aber ich wundere mich selbst ab und zu noch, dass das alles so geklappt hat, und ich freu mich wahnsinnig, dass die Band so klasse geworden ist. Ich habe schon viele Bands gegründet und auch wieder aufgelöst, weil es entweder menschlich oder musikalisch nicht mehr gepasst hat und KissMan ist im Moment wie ein Jackpot für mich und macht mich und auch alle „meiner“ Jungs total glücklich.

2. KissMan-Technik

Nun kommen wir zum Thema Technik! Die berühmten und teuren Mesa-Boogie- und ENGL-Amps machen – neben dem präzisen Auf-den-Punkt-Spielen – viel von eurem kraftvollen Sound aus, gibt es dazu einen Hintergrund?

Ja, in der Tat gibt es dazu einen Hintergrund. Freut mich sehr, dass dir das auffällt! Wir sind der Überzeugung, dass der Klang und Sound einer Band wichtig sind und man sich als Band auch damit ein Alleinstellungsmerkmal baut. Wir haben ja alle angefangen, ein Instrument zu spielen, weil uns der Klang fasziniert hat – an der Gitarre Joe Perry, Michael Schenker, am Bass F, an den Drums Thomas Lang und an den Vocals Kevin Cronin, Bryan Adams, Meat Loaf – um nur wenige zu nennen. Mittlerweile gibt es ja viele und auch gute digitale Lösungen, aber der Klang basiert halt auf einer Sinuskurve und die kann digital mit 0 und 1 nicht genauso abgebildet werden. Schlussendlich kommt es immer auf die Art der Musik an, aber wir sind eine AOR-Rockband und unsere Helden standen und stehen mit Fullstacks und Monitoren auf der Bühne. Das Gefühl wollen wir einerseits haben und – ganz ehrlich – wir wollen unser Equipment natürlich auch nutzen.

Also die teuren analogen Röhren-Amps! Was gibt es dazu zu sagen?

Es ist uns wichtig, dass der Sound von der Bühne kommt, wir haben keine „silent stage“. Was noch benötigt wird, fährt der Mischer über die PA dazu. Michael speziell hat einen guten Einkanaler gesucht, da er viel mit Pedals arbeitet. Und dann lief halt der Mesa mal beim Kirstein über den Weg (zwinkert). Mesa steht für Qualität, das passt gut zu uns (lacht). Und ich persönlich spiele einen ENGL Combo, weil – nach dem Ausschlussverfahren – Marshall klangmäßig nicht in den Bandsound für mich passt und ich kein Fender-Amp-Fan bin. Fender-Gitarren ja, ich spiele ja die Tele, aber nicht als Amp. Und netterweise ist ENGL auch noch eine deutsche Firma und im Falle eines Schadens kann ich den Amp vom Hersteller reparieren lassen. Ich hatte den Fall schon mit einem anderen ENGL und das lief so super, dass das ein wichtiger Punkt in meiner Equipment-Entscheidung wurde. Mit der Akustikgitarre gehe ich als Ausnahme tatsächlich über ’ne DI Box, die ich präzise EQ-en kann, ins Mischpult. Aber auch hier zählt die hohe Qualität der einzelnen Instrumente, der DI Box und der sonstigen Effekte im Signalweg. Dennoch bin ich gerade am Überlegen, auch einen Amp mitzunehmen.

Aha, warum? Dann hat man wiederum mehr Equipment und Geschleppe?

Weil sonst meine Argumentation mit dem Bühnensound nicht stimmt (lacht) Ne, im Ernst: genau deswegen. Bei uns kommt der Sound von der Bühne und die Akustikgitarre aber nicht. Ich mag’s auch lieber, nur den Gesang über die Monitore zu haben, den Rest (also Gitarren und Bass) hör ich gern von hinter mir. Da geht es vielleicht auch ein bisschen ums Prinzip (lacht noch mehr). Und ganz ehrlich: Der eine Amp ist auch schon egal, wenn ich den noch mitnehme.

Amps sind beim Klang das eine, die Gitarren das andere. Du und Michael, ihr beide spielt Fender-Gitarren mit Single-Coil-Tonabnehmern. Warum nutzt ihr keine Kombination mit einer Humbucker-Tonabnehmer-Gitarre, also prädestiniert eine Gibson Les Paul?

Michael spielt Fender Strat als Leadgitarrist – einerseits ganz banal, weil er ein Tremolo braucht, und andererseits, weil der Herr Richie Sambora von Bon Jovi halt sein größter Held ist (lacht). Mir fiel die Wahl der Gitarre nicht ganz so leicht. Mein erster Hero war Slash mit seiner Les Paul. Aber als Sängerin hab ich schnell gemerkt, dass ich noch nicht so versiert bin, vier Drehregler und einen Pickup-Wahlschalter zu bedienen und zu singen (lacht). Und das beides im Idealfall auch noch in hoher Qualität. Vor circa zwei Jahren lief mir dann diese rote Fender Tele rein – eigentlich wollte ich nie Tele spielen. Aber ich muss zugeben: als Sängerin ist das für mich die beste Wahl. Wahrscheinlich hat sich das der Bruce Springsteen damals auch gedacht. Der hat ja auch mit einer Les Paul angefangen und wollte dann unbedingt die Tele. The rest is history, wie man so schön sagt. Was uns bestätigt, ist regelmäßiges Feedback nach unseren Auftritten vom Publikum, das zu uns kommt und sagt: „Ihr habt aber ’nen geilen Sound“. Das freut uns natürlich besonders.

Du hast ja angesprochen, dass ihr Bühnensound wollt und der „Rest über die PA dazu gefahren wird“. Die gehört aber nicht zu eurem Equipment?

Genau! Wir spielen nur Locations, in denen eine PA vorhanden ist. Und dies aus dem einfachen Grund, dass dann auch die PA für die Größe der Location ausgelegt ist. Die PA selbst mitzubringen birgt für mich zu viel Risiko im Hinblick auf „ist sie zu klein, hören nicht alle was“ oder „die ist komplett überdimensioniert“. In den meisten Locations ist ja regelmäßig Livemusik und dann ist es für den Wirt auch keine außerordentliche Investition in eine passende stationäre Anlage. Das Schöne ist dann, dass der Hausmischer auch gleich vor Ort ist und die Anlage kennt. Ich hab zwar den Traum eines festen Mischers, der uns immer mischt, einfach, weil er die Songs kennt, er weiß, wann welche Effekte zum Beispiel auf die Stimme zu legen sind, und beim Soundcheck alles einfach schneller geht. Aber daran arbeiten wir noch (lacht).

Also bleibt es zunächst beim Hausmischer. Dem seid ihr dann mehr oder weniger ausgeliefert?

Was nach draußen über die PA noch dazukommt, entscheidet der Hausmischer. Da sind wir komplett raus und mischen uns auch nicht ein, weil der Mischer ja den Club kennt und weiß, wie der Sound sein soll. Also: wenn ihr mal was nicht hört, wir zu laut sind, oder was auch immer – geht zum Mischer (lacht). Den Satz kann man vielleicht weglassen (lacht lauter).

Und wie steht es mit der Basis, also Schlagzeug und Bassgitarre. Den Viersaiter bediente bislang Jenfry, in der Drehleier hattet ihr nun Mike am Bass. Der ist ja ein altgedienter Routinier, und da macht schon alleine das spielerische Können den Sound besser?

Ja genau, und die KissMan-Cap macht echt 20 Jahre jünger, gell (lacht)? Ich kenne den Mike schon viele Jahre, der hat schon mit meinem Freund zusammen Musik gemacht. Und bei Who Knows und ZEP ist er ja sowieso bekannt. Manchmal ändern sich einfach Situationen im Leben, dass eine Band mit dem entsprechend geforderten Zeitaufwand nicht mehr reinpasst, und so hat uns Mike spontan ausgeholfen. Wir sind mit Jenfry immer noch in gutem Kontakt und gehen auch ab und zu essen. Der offizielle Nachfolger wird Mike aber nicht, der muss nicht mehr proben, wir aber schon (lacht). Unser neuer Mann am Bass ist Raimund „Ray“ Rieger, lustigerweise war er mein Vorgänger am Bass bei Fursty Rocks. Er stieg damals aus, weil er sich auf Deutschrock, sprich die Band „Das Kubinat“ konzentrieren wollte, und dank ihm lernte ich eigentlich dann erst Michael und Sebastian kennen.

Das ist ja ein richtiges Hin und Her. Gibt es da auch Reibereien?

Ich finde es immer schade, wenn man im Streit auseinandergeht, das muss einfach nicht sein. Klar ist eine Trennung nicht schön, aber man kann ja ganz offen sagen, was einen stört. Und das muss man auch – sonst staut sich alles irgendwann zu stark auf und dann fliegen die Fetzen und man geht wirklich im Streit auseinander. Also mein Tipp: Redet miteinander, was euch stört – und sagt auch gern mal, was gut ist (lacht)! Die Band ist wirklich wie eine Beziehung. Reden hilft, hat meine Oma schon gesagt.

Und was gibt es zu eurem Schlagzeuger Sebastian zu sagen, der ist offenbar eine sichere und solide Basis?

Sebastian, der mystische Mann im Hintergrund, der ungern auf Social Media auftaucht (lacht). Aber ja, du hast Recht. Basti ist die Rhythmusmaschine im Hintergrund, und mit den Backing Vocals gibt er dem gesamten Bandsound natürlich auch noch seine eigene Note. Aber da er ja wenig auf Social Media auftauchen will, müsst ihr zu den Gigs kommen, um mehr über ihn zu erfahren (zwinkert).

3. KissMan-Booking

© Jan Reiser

Jetzt interessiert natürlich, wie ihr zu euren Auftritten kommt. Wie kam denn der Kontakt zu „KUKI YourStage!“ und zum Bombig zustande?

Ich kenne das Bombig noch aus den Anfangszeiten auf dem Gelände der Reese-Kaserne. Damals spielte mein Lebensgefährte Bastian Krauß in der Band Dispatch Skulls und die wiederum war eine der ersten Bands im Bombig. Ich habe die Band auch als Fotografin begleitet und war über die Jahre ziemlich oft dort. Seit damals verfolge ich in den sozialen Medien sehr genau, was im Bombig passiert. Und als KUKI sich vor ca. zwei Jahren mehr eingeklinkt hat und die YourStage! ins Leben gerufen hat, habe ich mit meiner damaligen Band Fursty Rocks bei einer der ersten YourStages gespielt. Die Leute vom Bombig kenne ich ja eh schon viele Jahre und so haben sich die Freundschaften erweitert und ich habe viele neue Leute dort kennen gelernt. Es ist einfach ein klasse Club mit tollen Menschen, die ihn betreiben.

Also war „KUKI YourStage!“ wieder ein gutes Startportal, nunmehr für KissMan.

Genau! Das Format ist echt klasse, wenn man als Band noch unbekannt ist. Als wir mit KissMan Anfang des Jahres bühnenfertig waren, habe ich uns dann beworben – die Connections haben nicht geholfen (lacht). Wir wurden mit Obazda zusammengewürfelt und den Rest des Abends kennst du ja. Vielleicht noch ein Wort zur Orga: Die ist nämlich echt klasse. Du bekommst vorab schon so viele Infos, dass du eigentlich nur noch mit deinem Zeug kommen musst und spielen. Du schickst den Stage Rider und alles ist vorbereitet, du musst nur noch lesen, wo du welche Kabel einstöpseln musst, Soundcheck, fertig. Echt klasse! Und der Gerhard [Anm.: Gerhard Lechner, der Bombig „Barbeque-Chef“] hat dann auch noch den Grill angeworfen, wir wurden da schon sehr verwöhnt!

Und wie ich in der Folge erleben konnte, habt ihr regelmäßig Kombinationsauftritte. Strebt ihr das an?

Kombinationsauftritte finde ich super – gerade, wenn man zusammengewürfelt ist. Das erweitert auch den eigenen Horizont wieder ein bisschen. Die Erwartungshaltung vom Publikum geht schon sehr stark in die Richtung, dass eine ähnliche Musikrichtung am Abend von den Bands gespielt wird. Klar bringt jeder seine Fans mit, aber wir hatten es auch schon, dass die Fans der anderen Band bei uns dann draußen beim Rauchen standen (lacht). Alles gut, ich nehme das auch nicht übel, aber ich versetze mich dann eher selbst ins Publikum, und frage mich, wie viel ist man dann bereit, für den Eintritt zu bezahlen.

Apropos Eintrittsgelder – wie wird das geregelt?

Im Regelfall haben die Clubs, in denen wir spielen, eine Vorgabe. Ich persönlich bin zum Beispiel vom „Spenden-Hut“ ein großer Fan. Wenn jemand vom Club damit rumgeht und es ernst nimmt, dann ist da auch was drin.

Also so wie bei KUKI beziehungsweise im Bombig üblich?

Genau! Beim fixen Eintrittsgeld hingegen bin ich immer etwas kritisch: Wie viel ist man bereit, für eine Coverband – die wir ja sind – für einen Abend zu bezahlen? Wie viele Bier oder Spezis kann man dann noch trinken? Und wie hoch ist das eigene Einkommen? Umsonst ist auch immer so ‘ne Sache – was umsonst ist, ist nix wert. Aber mein Bauchgefühl und Eindruck ist, dass für zwei Bands am Abend 15 Euro das Maximum ist. Der Eintritt wird ja im Voraus bezahlt. Wenn dir die Bands dann nicht gefallen oder eine der beiden, ist es blöd. Deswegen finde ich den Hut dann wieder gut: Wenn mir das total gut gefallen hat, werfe ich persönlich auch oft mehr rein, als der Eintritt wahrscheinlich gekostet hätte.

Die Eintrittsgelder müssen schließlich auch Kosten abdecken?

Das ist sicherlich anders, wenn die Band selbst Locations bucht, wie zum Beispiel das Backstage in München. Da hast du Raummiete, Fixkosten, usw. Das wird dann ja auch auf die Ticketpreise umgerechnet. Aber das machen wir ja nicht.

Und warum?

Dafür braucht die Band schon eine große Fangemeinde, sonst stehst du vor leerer Halle. Schau dir zum Beispiel die Augsburger Band Coldheart an: Die haben Clubs, Clubs, Clubs und nochmal Clubs gespielt, haben immer super abgeliefert. Und jetzt erst mieten sie das Spektrum. Dann macht das Sinn, aber wir sind da noch am Anfang unserer Karriere.

Thema Zuschauerzahlen – woher kommen denn eure Zuschauer?

Von der Couch (lacht laut)?! Ne, im Ernst  – ich sehe die Verantwortung 50:50, beim Wirt und bei der Band. Ohne Werbung in der Location, ohne Plakate und Social Media weiß ja niemand was. Und genauso muss es die Band machen. Plakate sind zwar nicht mehr oft gewollt, aber dann zumindest über Social Media. Wir schreiben auch unser näheres Umfeld immer persönlich an und machen die Leute auf die Gigs aufmerksam. Da sagen auch viele: „Sag mir Bescheid, wenn du da und da spielst.“ In der heutigen schnellen Zeit kriegt man viel doch nicht mit und vergisst es wieder. Und dann ist man doch dankbar, nochmal ‘nen persönlichen Reminder zu bekommen.

Eine Frage zum Booking im engeren Sinne – da gibt es Agenturen, aber das macht ihr ja selbst. Wie akquiriert ihr eure Clubs?

Es fängt alles an in den Clubs, die man kennt. Und dann arbeiten wir uns vor mit Bewerbungen und Besuchen in neuen Locations. Es ist völlig o.k., wenn man mit einer zweiten Band gebucht wird, das ist für den Veranstalter natürlich sicherer im Hinblick auf Publikum. Und so erweitert sich dann die Gig-Liste Jahr um Jahr. Manchmal werden wir auch von befreundeten Bands gefragt, ob wir einspringen können, wie bei der Drehleier. Ich kenne Jan von „The Jan Solo Project“ schon viele Jahre, habe bei ihm in den Anfangstagen Bass gespielt und wir verstehen uns einfach immer noch super. Unser Glück ist, dass für alle meine Musiker die Band einen sehr hohen Fokus hat. Wenn Bandmitglieder erst noch andere Hobbies als „Prio“ vor der Band haben, wir es schwierig, spontan einzuspringen. Aber im Endeffekt sollte man sich die Clubs raussuchen, in denen man spielen will und aktiv sein möchte. Eine E-Mail hinschicken reicht oft einfach nicht. Es gibt so viele Bands und so wenige Clubs, die werden ja alle überrannt. Also sollte man sich was einfallen lassen, warum der Veranstalter genau dich spielen sehen will. Es ist ja auch „nur“ Verkauf – was ist dein Alleinstellungsmerkmal, warum sollst du dort spielen?

Wie ist der aktuelle Stand für 2026?

Die Bookings sind in vollem Gange. Wir spielen zum Beispiel nochmals bei der KUKI YourStage!, in der Bonanzbar, im Sugar Shack und natürlich beim Sprintervan Festival. Mittlerweile planen wir zwölf Monate im Voraus. Einspringen für eine erkrankte Band kann immer vorkommen. Aber die wenigen Clubs, die es noch gibt, haben natürlich massiven Andrang. Somit tut jede Band gut, sich immer und dauerhaft um die Gigs zu kümmern, weil im Regelfall schon viele Termine ausgebucht sind.

Du sagst „wenige Clubs“. Wie ist hier die Entwicklung?

Es werden schon immer weniger Clubs mit Livebühnen im Laufe der Jahre, auch wenn es immer wieder Ausnahmen und Neueröffnungen gibt. Hier würde ich gerne das Sugar Shack in München und den Starclub in Donauwörth nennen. Und natürlich das Bombig, das nach dem Aus in der Reesekaserne weiter gemacht hat (zwinker) – schön, dass sich hier neue Räumlichkeiten gefunden haben! Aber viele Clubs schließen wegen behördlichen Auflagen, weil das Gebäude verkauft und abgerissen wird. Etwa zugunsten von Büroflächen – siehe Podium in München, usw. usw. Das führt dann natürlich zu dem oben genannten Ansturm auf die verbleibenden Clubs.

4. KissMan-Marketing

Wollen wir uns dem Marketing zuwenden. Das Thema Social Media hast du schon erwähnt!

Ohne Social Media geht’s nicht mehr – leider. Es ist nämlich signifikanter Aufwand. Klar, früher bist du rumgefahren und hast Plakate aufgehängt. Heute musst du Videos machen, Fotos posten, Reminder, regelmäßig am besten, denn sonst gehst du in dem Ranking unter. Je mehr die Band spielt, desto mehr Content ist natürlich da. Aber allein das immer daran denken, hier noch ein Post, da eine Story, ist schon manchmal mühsam. Und Video schneiden kann ich zum Beispiel nicht. Ein Arbeitskollege hat mir bisher geholfen, der wird jetzt aber Papa und hat keine Zeit mehr. Klar gibt es Firmen, aber die arbeiten verständlicherweise auch nicht umsonst, und dann stellt sich halt wirklich irgendwann die Frage, was machst du alles? Die Veranstalter fordern auch von den kleinen und neuen Bands das volle Paket – Facebook, Instagram und YouTube. Ja, aber das was zählt, ist doch die Livequalität, oder?

Das kann ich nur unterstreichen. Dennoch gucke ich mir auch gerne Videos an, da sitzt man immer in der ersten Reihe!

Ich hab unser letztes Video geschnitten, ich brauche dafür acht Stunden. In der Zeit könnte ich auch üben – oder schlafen (lacht). Da muss man sich dann halt wirklich die Frage stellen, was man leisten kann und was die Veranstalter aber gerne haben wollen. Sind jetzt Videos und die Außendarstellung wichtiger oder die Qualität eines Auftritts? Wenn ich live schlecht bin, aber einen tollen Social-Media-Auftritt habe, hilft das auch keinem. Und wie die großen Bands, die ein Mediateam haben, das haben wir halt nicht. Da muss man ein bisschen die Kirche im Dorf lassen, finde ich. Werbung ist wichtig, aber in welchem Umfang? Wir haben knapp 100 Follower auf Instagram. Früher hast du das alles nicht gehabt und die Mund-zu-Mund-Propaganda hat dir geholfen, wenn du gut warst. Darum ging es. Nicht um „shiny shiny bling bling“-Fotos. Es wäre schön, wenn das wieder etwas mehr werden würde.

Helfen euch die Clubs?

Die Zusammenarbeit mit dem Club ist extrem wichtig. Da gibt es Clubs, die richtig viel Werbung machen, Posts teilen, Plakate aufhängen – Bombig ist da super, meinen größten Respekt! Und dann gibt es andererseits Veranstalter, die vielleicht mal eine Story von dir teilen, beim Video die „Collab-Markierung“ [Anm.: Funktion auf Instagram, um einen Beitrag mit einem anderen Account gemeinsam zu veröffentlichen, so dass er auf beiden Profilen erscheint und die Reichweite vergrößert wird] nicht annehmen und anderes. Wofür dann der ganzen Aufwand und warum wird es dann gefordert? Es ist doch Werbung für beide Seiten. Werbung muss sein, ganz klar, aber der Fokus auf Social Media ist schon echt krass. Ich versteh auch die Memes, die sagen, Musiker sind mehr als 50 % Content Creators. Und nur weil du viel postest, heißt es auch nicht, dass viele Leute kommen. Man bekommt ja alles zuhause auf die Couch serviert. Hach, ein heißes Thema (seufzt heftig).

Was habt ihr sonst noch im Marketing-Programm?

Wir haben ganz banal Plakate machen lassen und kleinere Flyer, die wir bei jedem Gig auslegen. Wobei Plakate eigentlich niemand mehr will. Zudem noch Logo-Aufkleber. Hier hilft uns Michaels Frau Vanessa immer, wofür ich unendlich dankbar bin. Sie kümmert sich darum, dass das alles ausliegt, die nächsten Gigs auf den Flyern stehen, sie macht auch die Fotos und damit füllt sich Social Media auch wieder ein bisschen (lacht). Ach ja, nochmal Social Media: Das Investment in Kameras für die Videos ist übrigens auch nicht zu unterschätzen (lacht). Und von dir bekommen wir natürlich auch noch mediale Unterstützung (zwinkert). Das war ja komplett ungeplant und unvorhersehbar!

Hinter der Band steht also noch ein kleines Team?

Ja, genau. Sowas macht es viel einfacher. Und es ist echt toll, wenn dich jemand unterstützen will, so wie du ja soeben. Das ist so schön. Und man lernt, auch einfach mal ja zu sagen und Unterstützung anzunehmen. Viele unserer Fans machen auch in ihren Stories schon Werbung für uns, das ist klasse.

Und diese Fans belohnt ihr dann mit Berücksichtigung auf eure Gästeliste!

Ganz klar, Gästeliste muss ein. Okay, man kann nicht immer jeden draufschreiben, aber gerade die Unterstützer und Fans der ersten Stunde, die zu jedem Gig kommen, die sollen wirklich nix zahlen. Da sind einfach die Unterstützung und der Applaus wichtiger.

Nochmals Marketing-Artikel: Ihr habt auch ein ganz spezielles Produkt im Programm!

Genau, wir haben uns für Caps entschieden, weil T-Shirts sehr umfangreich und teurer in der Anschaffung sind. Du brauchst unterschiedliche Größen, Ladies, Men, usw. Man muss es ja auch mitnehmen und präsentieren. Caps haben wir deshalb gemacht, weil es wenige Bands gibt, die so etwas anbieten. Aber ich bin ehrlich, die meisten haben wir verschenkt (lacht). Oder eine wurde uns vermeintlich geklaut …

Sprichst du da etwa auf mich an?!

Nööö (lacht laut)! Es war aber zu lustig, als mir einer nach dem Gig in der Drehleier entrüstet sagte, dass da einer aus dem Back kam, die Cap aufsetzte und ging. Und noch mehr, als du mir dann später das Foto von deinem Heimweg nach Augsburg mit der Cap schicktest und mitteiltest, bei der Aussicht auf „20 Jahre jünger“ konntest du nicht widerstehen. Zu gut (lacht laut)!!

Ich musste tatsächlich sehr eilig aufbrechen, um meinen Zug zurück nach Augsburg nicht zu verpassen. Sonst hätte ich natürlich artig angefragt. Zu meinem Glück hab ihr den „Cap Rob“ nicht durch einen „Cap Cop“ ahnden lassen. Die sehr gut verarbeitete „KissMan-Cap“ ist ja nicht ganz günstig. Habt ihr ein festes Marketing-Budget?

Haben wir tatsächlich nicht gesetzt. Wir warten jetzt mal ab, was noch so kommt und worauf wir Bock haben. Ich spicke immer bisschen bei den großen Bands, was die so machen und worauf die Leute stehen. Und was auch preislich in Ordnung ist. Für uns ist es keine Einnahmequelle wie für Berufsmusiker. Daher können wir da etwas entspannter drangehen. Aber wenn wir zumindest ein bisschen was damit dazuverdienen können und zum Beispiel die Proberaummiete drin ist, ist es schon cool. Nach der Steuererklärung bleibt dann aber eh nicht mehr viel übrig.

Noch eine Abschlussfrage: Würdest du der KUKI-Community für mögliche weitere Fragestellungen zur Verfügung stehen? Sicherlich gibt es noch einige Detailaspekte, zu denen du Tipps geben könntest.

Na klar, immer gern (strahlt)!

Also dann! Weitere Infos zu KissMan und die Kontaktdaten von Sabrina Kisslinger finden sich auf der Band-Homepage unter: https://www.kissman-band.de/

Text & Fotos: Joe (Jochen Cantner – auf dem Bild 20 Jahre jünger, mindestens! Anm. der Redaktion )

Jochen „Joe“ Cantner

Der Name Jochen Cantner steht für die breiten Themenfelder Natur, Umwelt und Kultur. Und unter seinem Künstlernamen Joe widmet er sich insbesondere dem Kulturgut Musik. Über die Blockflöte im Kleinkindalter näherte er sich diesem Metier zaghaft an, mitunter widerwillig. Der Durchbruch aber kam als Teenager, als er die Beatles im Fernsehen zu sehen und hören bekam – allerdings mit dem Schönheitsfehler, dass es diese fabelhafte Band da schon nicht mehr gab. Dennoch blieb er an der Gitarrenmusik hängen, spielte dann selbst in einigen unbedeutenden Augsburger Bands und Session-Formationen. Heute ist er noch immer fasziniert von Gitarrenheld*innen sowie Pop- und Rockmusik, mag aber die gesamte Vielfalt der Musikgenres. In seiner Betätigung als Publizist freut er sich, die Musikervereinigung KUKI e.V. redaktionell unterstützen zu können!

Der Beitrag Bandwissen – ein Feature der Münchner Band „KissMan“ (Teil 2) erschien zuerst auf KUKI Express - Augsburg.